高速ストロボスコープ写真を開発したハロルド・ユージン・エジャートン

Moving Skip Rope, 1952

Harold E. Edgerton

ハロルド・ユージン・エジャートンは1903年4月6日、ネブラスカ州フリーモントでフランク・ユージン・エジャートンとメアリー・ネッティ・コーの息子として生まれた。コネティカット州ノーウィッチの創設者のひとりリチャード・エジャートンの息子サミュエル・エジャートンと、マサチューセッツ州プリマスのウィリアム・ブラッドフォード総督の曾孫娘で、帆船メイフラワー号の乗客でもあったアリス・リプリーの子孫である。父親はジャーナリスト、弁護士、作家、演説家で、1911年から1915年までネブラスカ州司法長官補佐官を務めた。ネブラスカ州オーロラで育ったエジャートンは10代の頃に叔父から写真術を学び、自宅に暗室を作った。ネブラスカ電力会社での夏季アルバイトで発電に興味を持ち、ネブラスカ大学リンカーン校で電気工学を学び、1925年に理学士号を取得した。マサチューセッツ工科大学大学院に入学し、1927年には電気工学の修士号を得た。博士課程ではストロボスコープを使った同期電動機の研究を行い、1931年に理学博士を得た。ストロボスコープを使って日常の事物を撮影することを思いついたのは、マサチューセッツ工科大学器械工学研究所の創設者で、初代所長のチャールズ・スターク・ドレイパーのおかげだと当人は語っている。最初に撮影したのは蛇口から出ている水流だった。ストロボスコープは短い光のバーストを繰り返し発生するが、ひとつの連続したぼやけた画像ではなく、静止したかのような一連の画像で、動く物体をすばやく観察できる。

Swirls and Eddies of Tennis Stroke, 1939

ストロボスコープのフラッシュを調査対象の動きと同期させ、開いたシャッターを通して1秒間に多数のフラッシュの速度で一連の写真を撮影することにより、1931年にマルチフラッシュ写真を開発した。エジャートンが日常の出来事を撮影した驚くべき写真は、すぐに世界中で称賛されるようになった。彼の「ミルクの王冠」写真は、1937年にニューヨーク近代美術館で初めての写真展で紹介された。そして競技するアスリート（1938年）空中を舞うハチドリ（1953年）風船を破裂させる弾丸（1959年）毛細血管を流れる血液 （1964年) などの写真を撮影する。美的観点からはさほど重要ではないが、エジャートンは現代の電子フラッシュへの道を開いただけでなく、物理学者に流体、気流、エンジンの力学を分析する新しい手段を与えた。

Milk Drop Coronet, 1957

アメリカ陸軍も彼の研究の実用面に注目した。第二次世界大戦中、航空写真用の超強力なフラッシュの開発を依頼された。エジャートンのシステムにより、航空機による夜間偵察が可能になり、1944年のノルマンディー上陸作戦の数週間前に暗闇に紛れて、通常では不可能だった枢軸国軍の動きを記録した。戦後の1947 年、エジャートンは、2人の元生徒、ケネス・ガーメスハウゼンとハーバート・グリアとともにEG&G社を設立した。原子力委員会との契約に基づき、エジャートンと彼の同僚は、原子爆弾のテスト用のタイミングおよび発射システムを設計し、1947年に7マイル離れた場所から原子爆発を撮影できるカメラを発明する。EG&G 社は、灯台からコピー機までさまざまな機器で商業的に使用できる高出力ストロボライトも開発した。

Bullet and the King of Hearts, 1964

1953年に発明家仲間のジャック＝イヴ・クストーと水中探査で長年の協力関係を築き、発明の新たな領域に足を踏み入れた。1968年に史上初の水中タイムラプス撮影を行う。また、海底の岩石を分析する「サンパー」(1960年) や海底の地震プロファイルを提供する「ブーマー」(1961年) など、さまざまなソナー装置も発明した。また1966年から1985年にかけて、数多くの海底遺跡や難破船の発見と探査も行った。タイタニック号の最初の詳細な写真は、1987年に彼が設計したカメラで撮影された。エジャートンは、そのキャリアを通じて、自身の装置で数十の特許を取得した。米国陸軍自由勲章（1946年）国家科学勲章 （1973年）全米発明家殿堂入り（1986年）など、数々の栄誉を受賞し、4冊の本を執筆または共著した。1927年にマサチューセッツ工科大学の教授陣に加わったエジャートンは、ずっと教鞭をとり、研究を指導した。

Grand jeté, Unsigned, Date Unknown

1966年に同僚が彼を研究所教授に選出するずっと前から、最も人気のある教師のひとりだった。彼の「ストロボアレー」研究室は、今でも伝説となっている。ボストン特許法協会とボストン科学博物館は、1982年にエドガートンを「ニューイングランド年間最優秀発明家」に選出した際に「その素晴らしい媒体を通して、自然と産業の両方に新たな美と秩序を捉え、明らかにした」と述べている。エジャートンは1990年1月4日、マサチューセッツ州ケンブリッジで心臓発によりで亡くなった。86歳だった。彼の功績はマサチューセッツ工科大学のエジャートン・センター研究室や同大学博物館だけでなく、ジョージ・イーストマン・ハウス、ネブラスカ州オーロラのエジャートン・エクスプロリット・センター、そして彼に捧げられた無数のウェブサイトにも残っている。

  Harold Eugene Edgerton (1903-1990) | Works | Exhibitions | The Museum of Modern Art

旅する写真家として20世紀後半の歴史に残る象徴的な写真を制作したルネ・ブリ

Contact print: Ernesto Che Guevara, Havana, Cuba, 1963

René Burr

ルネ・ブリは20世紀後半の歴史に残る象徴的な写真を制作した写真家。1933年4月9日、スイスのチューリッヒに生まれた。マグナム・フォトのメンバーであり、世界の主要な政治的、歴史的、文化的出来事や重要人物を撮影した写真界の巨匠である。旅する写真家として、彼は生き生きとしたレポートで世界中のあらゆる場所を訪れた。彼の写真作品は常に人間をテーマにしており、献身的で、多層的で、共感に満ちていた。彼は世界を単に記録するだけでなく、写真で世界を変えたいと考えていた。人間的で共感的で敬意のあるフォトジャーナリズムの理想が、彼の作品の指針となった。ブリは故郷のチューリッヒにある美術工芸学校でハンス・フィンスラーが指導する写真教室に通った。1953年から1955年にかけてドキュメンタリー映画制作者として働き、兵役中にライカで最初の写真を撮影した。1955年にパリとニューヨークの写真家集団マグナム・フォトの通信員になった。ブリは、ライフ誌に掲載された聾者の子供たちに関する繊細な写真ルポ「聾者のための音楽に触れる」で名声を博した。この写真家集団の4人の創設者のひとり、アンリ・カルティエ＝ブレッソンはブリにとって最も重要な指導者となった。

Ingrid Bergman filming 'Eena and her men', Paris, France, 1956

葉巻を吸うゲバラのこれらの写真は象徴的なものとなり、世界中を駆け巡った。特に写真を撮った後、ゲバラが彼をを「地獄のように怖がらせた」ことを覚えている。 怒ったゲバラが「檻に入れられた虎」のように狭いオフィスを歩き回り『ルック』誌のアメリカ人女性からインタビューを受けている状況を描写している。記者を叱りつけて、葉巻をむしゃむしゃ食べている間、ゲバラは突然ブリの目をまっすぐに見て、ゆっくりと彼の首に指を走らせながら「あんたの友人アンディに追いついたら、彼の喉を切り裂くぞ」と言った。

Town of Rheinpfalz, Rhénanie-Palatinat state, Germany, 1959

1962年、長時間の調査と研究を経て、ロベール・デルピールの文章を添えた写真集『ドイツ』を出版した。この写真集は、歴史上最も影響力のある写真集のひとつとされている。この記念碑的作品はユニークな描写を形成し、政治的に中立な視点と分断されたドイツを見事に描写したことにより、今日でも説得力を持っている。ピカソ、ル・コルビュジエ、イヴ・クライン、パトリシア・ハイスミス、ジャコメッティなどの著名人をスイスの芸術文化雑誌『Du』のために撮影。1963年、ブリはキューバで活動していたときに革命家チェ・ゲバラの写真を撮ることができた。

Four men on a rooftop, São Paulo, Brazil, 1960

アンディはアンドリュー・セント・ジョージで、マグナムの写真仲間で、シエラ・マエストラでゲバラと一緒に旅をし、後にアメリカの諜報機関に報告書を提出した人物だった。 1991年に芸術文化賞、1998年にドイツ写真協会のエーリッヒ・ザロモン博士賞、2011年にスイス報道写真生涯功労賞、2013年にライカ殿堂賞など、数々の賞を受賞した。2004年から2005年にかけてパリのヨーロッパ写真館で始まった大規模な回顧展は、ヨーロッパのいくつかの美術館を巡回した。2013年7月、ブリはスイスに自身の「ルネ・ブリ財団」を設立した。これは現在、ローザンヌのエリゼ美術館に収容されている。

Monument to the Battle of the Nations, Leipzig, Germany, 1964

2014年には、パリのヨーロッパ写真館で最後の展覧会 "Mouvement"（運動）が開催された。 この機会に、ブリは白黒とカラーの絵画的な動きというコンセプトを中心に、多数の未発表写真から三連祭壇画を制作した。ルネ・ブリは2014年10月20日、チューリッヒで死去した。81歳だった。ローザンヌのエリゼ写真美術館は2020年、マルク・ドナデューとメラニー・ベトリゼーのキュレーションのもと、"René Burri, Explosion des Sehens"（ルネ・ブリ、センスの爆発）と題した大規模な回顧展を開催した。ここでは、この粘り強い探求心を持つ写真家親密なポートレートが展示され、独特で多様な世界観が示された。

  René Burri (1933-2014) Swiss | Profile | Selected Works | Most Recent | Magnum Photos

グラフ誌『ライフ』に30年間投稿し続けたロシア生まれの写真家リナ・リーン

Tommy Tucker, a squirrel, was dried after a bath, 1944

Lina Lean

ニナ・リーンの人生は、幼い頃から旅が重要な役割を果たし、振り返ってみると、ある意味意図的に放浪生活を送っていたと言えるだろう。ロシア生まれ、おそらく1909年から1914年の間だが、年齢を明かすことも話すことも頑なに拒否したため、生年月日は不明のままである。幼少期をイタリア、スイス、ドイツで過ごす。ベルリンで絵画を学んだ後、1939年に米国に移住した。初めてのカメラであるローライフレックスで写真撮影の技術を磨き、独学で写真の撮り方を学んだ。ニューヨークのブロンクス動物園の動物たちを題材にした親密で様式化されたポートレートを制作することで、彼女の特徴的なスタイルを確立する。実際、彼女が誌に発表した最初の写真は、ブロンクス動物園で撮影し、その後友人の勧めで同誌に提出した、闘志旺盛な古代の亀の写真シリーズ（このギャラリーに掲載）だった。グラフ誌『ライフ』は 1940年4月1日号でその写真を掲載し、リーンと当時の代表的な写真雑誌との関係が始まった。興味深いことに、彼女は『ライフ』誌初の女性スタッフ写真家のひとりとよく言われるが、実際には正式に同誌のスタッフになったことはない。彼女は契約写真家であり、驚くほど長く同誌と仕事をした。その関係は1940年代から1972年末に週刊誌として発行を停止するまで続いた。

Group of teenagers listening to 45 rpm records, 1944

リナ・リーンは『ライフ』誌のために30年間撮影し、50以上の表紙、世界中の無数のレポートやフォトエッセイなど、多岐にわたる作品を制作した。しかし、おそらく彼女自身の人生と作品に最も永続的な影響を与えた出来事は、同僚のレナード・マッコームだった。1949年、マッコームはテキサスで取材中、死んだ犬と、身をすくめ、ノミだらけで汚れているがまだ生きている子犬に出会う。マッコムは、この動物をただ捨てるわけにはいかなかったので、ニューヨークのオフィスに送り、そこで、他の誰よりも動物好きとして知られていたリーンが引き取った。ラッキーと名付けられたこの犬は、アメリカのペットになった。

Four generations of the Russells gathered for a portrait, 1948

彼女はどこへ行くにもラッキーを連れて行き、救助後の犬の冒険を、続編の記事、本および本のツアー、さらには短編映画で記録した。動物愛好家で、犬、猫、コウモリ (彼女は毛むくじゃらの空飛ぶ哺乳類に特別な愛着と執着を持っていた) などの動物の写真は、やがて一冊の書籍になるほどだった。またリーンは、他のワイルドな生き物、つまりティーンエイジャーの扱いにも長けていた。アメリカのティーンエイジャーの流行、エチケット、態度に関する彼女の多数のエッセイは、1940年代と50年代の若い世代を、当惑と共感がうまく混ざり合った魅力で捉えたのである。

Irascibles that fought exclusion of abstract expressionism, 1951

彼女はまた多作で優れたファッション写真家のひとりでもあり、1940年代のパリのショーを、冷静で洞察力のある目で撮影した。しかし彼女が動物やホルモンの乱れた若者を撮影するだけにとどまらなかったことは、最も有名な2枚の集合写真を見れば明らかである。1枚目は、オザーク山脈に住む4世代の家族 (カール・セーガンが、宇宙船を妨害する可能性のある地球外文明に対する一種のメッセージとして、ボイジャー宇宙探査機に搭乗するよう選んだ) の写真、もう1枚は、メトロポリタン美術館が1950年に開催したアメリカ絵画の大回顧展に抽象表現主義の作品を含めることを拒否したことに抗議した、デ・クーニング、ポロック、ロスコなどを含む、今では伝説となっている芸術家集団「ザ・イラシブルズ」の写真である。

The famous "O’Neil sisters" with their mother, Boston, 1952

1972年に『ライフ』誌が廃刊になった後も、ニナ・リーンのキャリアはほとんど衰えることはなかった。1970年代を通じて、彼女は平均して年間2冊の本を出版し、生涯で15冊の本を出版した。その中には、彼女が「空飛ぶ子猫」と呼んだ蝙蝠に関する画期的な作品も含まれている。ニナ・リーンは 1995年1月1日にニューヨークの自宅で亡くなった。70代後半か80代前半だったと推測されるが、正確な没年齢は誰も知らない。

  Photography of Nina Leen (1914？-1995) American (b. Russia) | LIFE Picture Collection

最初期のカラー写真技法オートクロームの世界

Family Group Outdoors, ca. 1915. George Eastman Museum

Auguste and Louis Lumière

オートクロームは、20世紀初頭に使用された最初の成功したカラー写真媒体のひとつである。フランスのリュミエール兄弟によって1903年に特許を取得された。プレートは1907年から1934年までリュミエール社によって生産された。最初はシートフィルム、後にロールフィルムを生産したが、基本的に同じプロセスを使用した。しかし、その後すぐに、他の多くの成功したカラー媒体（特にテクニカラー、アグファカラー、コダクローム）が利用可能になり、リュミエール製品にほぼ取って代わった。それでも、1952年になるまでリュミエールはオートクロームに似た加法混色プロセスを使用して、アルティカラーロールフィルムを生産していた。オートクロームのプロセスは独創的で、単一のモノクロ銀乳剤を使用してカラー画像を生成する。19世紀半ばから、3つのコンポーネント画像を加算することでカラー画像を作成できることが知られていた。3つの同一のプレートをそれぞれ異なる色のフィルターを通して露光し、それぞれがカラーフィルターを通して投影される。この方法でカラー写真を作成するシステムは販売されていたが、使いやすいものではなかった。オートクロームは、ひとつのプレートで同様のプロセスを提供した。プロセスが比較的単純で、写真家がモノクロプレート用にすでに持っていた設備以外にほとんど設備を必要としなかったという事実により、多くのアマチュアが初めてカラー写真撮影が可能になった。オートクロームの基礎は、3色のフィルター層、つまりカラースクリーンだった。

Autochrome Plates of Format 6½-9, 1919

これは異なる色（オレンジがかった赤、緑、紫がかった青）に染めた3バッチのデンプンの微粒子を混ぜて作られた。そしてガラスプレートにゼラチンとグリセリンの混合物を塗り、その上に着色デンプン粒子をまぶした。余分なデンプン粒子は吹き飛ばして取り除き、ガラスに1粒子の厚さの層が貼り付いた。次にプレートを2500ポンド／平方インチの圧力がかかったローラーの間を通過させて、デンプン粒子を平らな形にプレスし、より半透明にするとともに、粒子が横に広がって粒子間の隙間のほとんどを埋めた。このようにして、平らになった粒子によってカラーフィルターのランダムな配列が形成された。細かい黒色の粉末（一部の文献では粉末炭、他の文献ではランプの黒（つまり煤）と説明されている）を版にまぶし、残っている隙間のグリセリンに付着させ、フィルターされていない光が通過するのを防いだ。余分な炭を取り除き、版を乾燥させ、防水ラッカーをデンプン層の上に塗布、最後にゼラチンと臭化銀乳剤をスクリーン層の上に塗布した。使用時には、銀塩乳剤はプレートの裏側にあり、露光はデンプン粒子カラースクリーンとガラスプレート自体を通して行われた。

Children in Medieval Costume, ca. 1910. Courtesy of Benjamin F. Russel

銀塩乳剤はスペクトルの青端に対してより敏感であるため、レンズの上に特別な黄色のフィルターが配置された。カラースクリーンと黄色のフィルターの存在により、オートクロームプレートの実効速度は当時のモノクロ銀塩プレートよりもはるかに遅く、約100倍長い露光が必要になった。オートクロームはコダックがコダクロームを販売する1930年代まで、市場においてはほぼ唯一のカラー写真であった。フランスのアルベール・カーン博物館が所蔵するオートクロームの最大のコレクションは、アルベール・カーン自身と、彼のもとで働いた多くの写真家の作品である。カーンのオリジナル・プロジェクトである "Archives de la Planète"（プラネットアーカイブス）は、世界各国の写真とフィルムで構成されている。しかし第一次世界大戦の勃発により、このプロジェクトは中断された。撮影されたコミュニティのいくつかは、戦争とその後の歴史によって激変したのである。

  Autochromes: Examples by amateur photographer Charles Zoller of Rochester, New York

先駆的なグラフ誌『ピクチャー・ポスト』を主導した写真家バート・ハーディ

Firefighter on the Ladder, during the Blitz, London, February 1, 1941

Bert Hardy

ロンドンのブラックフライアーズ地区で1913年5月19日に生まれたバート・ハーディは質素な労働者階級出身だった。7人兄弟の長男だった彼は、14歳で学校を辞め、写真の加工も手がける化学者のもとで働いた。1936年、シルバー・ジュビリーの祝典の際に、通りすがりの馬車に乗ったジョージ5世とメアリー王妃を撮影し、国王を捉えたベスト判の小さなプリント200枚を販売、これが彼の最初の大きな収入となった。23歳のときの最初の仕事は、メイフェア・ホテルでハンガリー人俳優サコールを撮影することだった。ハーディは雑誌『自転車』とフリーランス契約、初めて35ミリの小型カメラ、ライカを購入した。ライカ写真家としてジェネラル・フォトグラフィック・エージェンシーと契約し、後に自身のフリーランス事務所クライテリオンを設立する。1941年、1930年代から1950年代を代表するグラフ誌『ピクチャー・ポスト』の当時の編集者トム・ホプキンソンにスカウトされる。同誌は1938年から1957年まで英国で発行されていた写真を中心にした雑誌である。フォトジャーナリズムの先駆的な例とされ、わずか2ヶ月で週100万部を売り上げるなど、たちまち成功を収めた。米国の『ライフ』誌に相当する雑誌と呼ばれている。ハーディの写真家仲間は、競争相手ではなく、一緒に取材に出かける同僚として働いた。

Young boys run to hitch a ride on a carriage in London, 1941

フェリックス・H・マン（別名ハンス・バウマン）、ジョン・チリングワース、サーストン・ホプキンス、カート・ハットン、レナード・マッコーム、フランシス・ライス、ハンフリー・ スペンダー、グレース・ロバートソン、ビル・ブラントらがいた、彼ら家、競争相手ではなく同僚として働いた。独学でライカの使い方を学び、当時の報道写真家しては型破りな機材を使っていた。1941年2月1日、ナチス・ドイツによるロンドン大空襲でストレスを受けた消防士たちを撮影した写真エッセイで初めて写真のクレジットを獲得し、グラフ誌『ピクチャー・ポスト』のチーフ写真家となった。1944年6月6日の連合国ノルマンディー上陸作戦に参加、そしてパリ解放、ライン川を渡る連合軍の前進を取材した。

U.S. Marines in an assault craft during the Korean War, 1950

ナチス・ドイツのベルゲン・ベルゼン強制収容所入り、そこでの収容者の苦しみを記録した最初の写真家のひとりである。また、オスナブリュック市でドイツ警察が放火した火事からロシア人奴隷を救い、その余波を写真に収めた。第二次世界大戦末期、ハーディはアジアに渡り、短期間ルイス・マウントバッテン卿の専属写真家となった。その後、ジャーナリストであるジェームズ・キャメロンとともに『ピクチャー・ポスト』誌で朝鮮戦争を取材し、1950年に釜山で国連旗の下に李承晩の警察によって行われた残虐行為を報道し、その後、朝鮮戦争の転機となったインチョンの戦いでミズーリ年間写真賞を受賞した。

Piccadilly, City of Westminster, London, 1953

テレビの台頭と発行部数の減少に屈したグラフ誌『ピクチャー・ポスト』は1957年6月に休刊。労働党の「新しいイギリス」と「万人に公平な分け前」との同一視はますます不人気となり、同党は1951年の選挙で敗北した。他に活躍の場がなかったため、ハーディは広告写真家になったが、1964年に農夫になるためにこのメディアを完全に諦めたのである。エドワード・スタイケンの有名な『人間家族』展にハーディの作品3点が展示された。2点はビルマで撮影されたもので、そのうちの1枚は机に向かって深く考え込む僧侶の写真である。

Jim Nolan ignores his wife who is attacking a woman, 1954

もう1枚は、1949年1月8日に発行された『ピクチャー・ポスト』誌の特集 "Scenes From The Elephant"（象の情景）の一部で、南ロンドンのエレファント・アンド・キャッスル地区の日常を撮影した。地下の小さなアパートの窓際でくつろぐラブラブな若いカップルが写っている。アマチュア写真家向けに、良い写真を撮るのに高価なカメラは必要ないという記事を書いたハーディは、1951年、風薫るブラックプールの遊歩道で、コダックのボックスカメラ「ブラウニー」を使って手すりに座る2人の若い女性を撮影、これは戦後の英国を象徴する写真となった。1995年7月3日、イングランドのサリー州オックステッドで他界、82歳だった。2024年2月から8月まで、ハーディの回顧展がロンドンのフォトグラファーズ・ギャラリーで開催された。

 Bert Hardy (1913-1995) Photojournalism in War and Peace | Photographers Gallery 2024

ドキュメンタリー写真をモノクロからカラーに舵を切ったマーティン・パー

We've just always enjoyed the same sort of things, 1991

Martin Parr

マーティン・パー はイギリスのドキュメンタリー写真家、フォトジャーナリスト、写真集コレクター。特にイギリスの社会階級、そしてより広く西洋世界の富を記録することを中心に、現代生活の側面を親密で風刺的、人類学的に捉えた写真プロジェクトで知られている。1952年5月23日、サリー州エプソムで生まれパーは 、 14歳の頃からドキュメンタリー写真家を志していた。アマチュア写真家であり、王立写真協会会員でもあった祖父のジョージ・パーが初期に影響を与えたという。1970年から1972年までマンチェスター工科大学で同時代のダニエル・メドウズやブライアン・グリフィンとともに写真学を学んだ。パーとメドウズは様々なプロジェクトで協力し、バトリンズで巡回写真家として働くことなどがあった。彼らはドキュメンタリー写真家の新波の一員であり緩やかな集団で、自らに名称を与えたことはなかったが「若手イギリス写真家」「独立系写真家」「新イギリス写真術」など様々な名前で知られるようになった。1975年、ウェスト・ヨークシャーのヘブデン・ブリッジに移住し、そこで最初の成熟した作品を完成させた。彼は暗室と展示スペースを備えた芸術活動の中心地、アルバート・ストリート・ワークショップに参加した。パーは5年間、その地域の田舎暮らしを撮影し、1970年代初頭に閉鎖されつつあった孤立した農村の中心地であったメソジスト（および一部バプテスト）の非国教徒の礼拝堂に焦点を当てた。ノスタルジックな性質と、この過去の活動を祝う彼の見方に適していたため、モノクロで写真を撮った。当時の写真家は、真剣に受け止められるためにはモノクロでで撮影する必要があった。

The Last Resort, New Brighton, England, 1983-85

シリーズ "The Non-Conformists"（不適合者たち）が広く展示され、2013年に書籍として出版された。評論家のショーン・オハガンはガーディアン紙に寄稿し「モノクロ写真家としてパーがいかに静かに観察していたかを忘れがちだ」と​述べている。1980年にスーザン・ミッチェルと結婚、彼女の仕事のためにアイルランド西海岸に移住した。パーはロスコモン州ボイルに暗室を設置した。1982年に最初の出版物である "Bad Weather"（悪天候）が芸術評議会の助成金を受けてズウェマー社から出版された。1984年に出版された "Calderdale Photographs"（カルダーデールの写真）そして1984年に出版された"A Fair Day: Photographs from the West Coast of Ireland"（フェアな一日：アイルランド西海岸の写真）では、いずれも主にイングランド北部とアイルランドのモノクロ写真を掲載している。35mmレンズを装着したライカM3を使用したが『悪天候』ではフラッシュガンを装着した水中カメラに切り替えた。

The Rhuharb Triangle, Wakefield, West Yorkshire, England, 2014

1982年にパー夫妻はイングランドのウォラシーに移住し、そこでモノクロからカラー写真に転向した。これは主にジョエル・マイヤーウィッツ、そしてウィリアム・エグルストン、スティーブン・ショア、ピーター・フレイザー、ピーター・ミッチェルといったカラー写真家の作品に触発されたからである。パーは「1970年代初めにバトリンズで働いていた時にジョン・ハインドの絵葉書にも出会ったことがあり、その明るく鮮やかな色彩は私に大きな影響を与えた」と書いている。ニュー・ブライトン近郊の海辺で労働者階級の人々を撮影したが、1986年に "The Last Resort: Photographs of New Brighton"（最後のリゾート：ニュー・ブライトンの写真）として出版され、リバプールとロンドンで展示された。ジョン・バルマーは1965年からイギリスのカラードキュメンタリー写真の先駆者であったが、 ジェリー・バジャーは『最後のリゾート』について次のように語っている。

ほぼ四半世紀を経た今、イギリス写真界やマーティン・パーのキャリアにおいて、『ラスト・リゾート』の重要性を過小評価することは難しい。両者にとって『最後のリゾート』は、モノクロームからカラーへという写真表現の基本様式の激変を象徴するものであり、ドキュメンタリー写真の新たな基調の発展を告げる根本的な技術的変化であった。

カレン・ライトはインディペンデント紙に寄稿し「パーは労働者階級を厳しく批判したため一部の批評家から攻撃されたが、これらの作品を見ると、パーの揺るぎない目が、利用可能なあらゆる形態の余暇を受け入れる社会階級の真実を捉えていることがわかる」と述べている。1987年から1994年にかけて、世界を旅して次の主要シリーズであるマスツーリズム批判を制作し、1995年に『スモールワールド』として出版された。写真を追加した改訂版は2007年に出版された。この作品は1995年から1996年にかけてロンドン、パリ、エディンバラ、スペインのパルマで展示され、その後も様々な場所で展示され続けている。1990年から1992年までヘルシンキ芸術デザイン大学で写真の客員教授を務めた。1985年、パーはマンチェスターのドキュメンタリー写真アーカイブからの依頼でサルフォードのスーパーマーケットの人々を撮影し『サルフォード自治区の小売業』を完成させた。

The Amalfi Coast, Sorrento, Italy, 2014

この作品は現在アーカイブに保管されている。1987年に彼と妻はブリストルに引っ越し、現在もそこに住んでいる。1987年から1988年にかけて、彼は次の主要プロジェクトを完成させた。それは、当時サッチャー政権下で裕福になりつつあった中流階級に関するものだった 。主にイングランド南西部のブリストルとバース周辺で、ショッピング、ディナーパーティー、学校のオープンデーなど中流階級の活動を撮影した。これは1989年 "The Cost of Living"（生計費）と題され出版され、バース、ロンドン、オックスフォード、パリで展示会が開かれた。1995年から1999年にかけて、グローバルな消費主義をテーマにしたシリーズ『コモンセンス』を制作した。350枚のプリントによる展覧会で、1999年には158枚の写真を収めた本が出版された。この展覧会は1999年に初めて開催され、17カ国41会場で同時に開催された。これらの写真は消費文化の細部を描写しており、人々がどのように娯楽を楽しむかを示すことを目的としている。

Platt St. Royal Wedding street party, Cheadle, Manchester, England, 2018

写真は鮮やかで色彩豊かな35ミリ高彩度フィルムで撮影された。1988年にマグナム・フォトの準会員となった。 1994年にパーを正会員として迎え入れる投票は賛否両論で、フィリップ・ジョーンズ・グリフィスが他の会員にパーを受け入れないよう嘆願する文書を配布したが、1票差で3分の2の多数を得た。マグナムの会員であることで、彼は編集写真の仕事に就くことができ、ポール・スミス、ルイ・ヴィトン、ギャラリー・デュ・ジュール・アニエスベー、マダム・フィガロなどの編集ファッション写真にも携わった。写真集の収集家であり評論家でもある。評論家のジェリー・バジャーとの共著 "The Photobook: A History"（フォトブック：歴史）には、19世紀から現代までの写真集1,000点以上が収録されている。最初の2巻は完成までに8年を要した。2014年に設立され、2015年に慈善団体として登録されたマーティン・パー財団は、2017年に彼の故郷であるブリストルに施設を開設した。ロンドンのテート・モダンで開催された森山大道回顧展では、パーから借り受けた森山の本が多数、ガラスケースに展示された。なお 2021年10月5日付けのガーデアン紙電子版によると、同年5月にがんと診断され、化学療法を受けたようだ。完治していることを祈りたい。

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芸術的表現により繊細な目を持つ女性写真家となったマルティーヌ・フランク

Tulku Khentrol Lodro Rabsel with his tutor Llagyel, Bodnath, Nepal, 1996

Martine Franck

マルティーヌ・フランクはマグナム・フォトに32年以上在籍したドキュメンタリー写真家で、1938年4月2日、ベルギーのアントワープで生まれた。1939年、フランク家はロンドンに移住、父親のルイはイギリス軍に入隊した。戦争中、母と兄とともにイギリスからアメリカに渡り、1944年まで暮らした。スイスで、後にフランス演劇界を代表する人物となるアリアーヌ・ムヌーシュキンと出会った。マドリードのコンプルテンセ大学で美術史を学び、1958年にパリのエコール・デュ・ルーヴルに入学し、ル・モンド紙のロベール・エスカルピットのユーモラスなコラムからフランス語の読み方を学んだ。"Sculpture and Cubism: 1907-1915"（彫刻とキュビスム：1907-1915年）というテーマで論文を提出する。1963年にアリアーヌ・ムヌーシュキンと一緒に旅行したマルティーヌ・フランクは、中国、日本、インド、カンボジア、ネパール、パキスタン、アフガニスタン、イランなど、他の文明の魅力と素晴らしさを写真に収め始めた。そして香港の雑誌『イースタン・ホライズン』に写真を発表。フランクは「写真は私の人生に突然現れました。中国へのビザを取得し、いとこが私にライカを貸してくれた」「あなたはラッキーだから写真を持って帰らなくてはいけないと言ってくれたのです」と2007年のローランド・キリチとのインタビューで打ち明けている。

Swiming Pool designed by Alain Capeilleres, Hamac, Le Brusc, France, 1976

1964年にパリのタイムライフ社で「真の写真」に出会い、エリオット・エリソフォンとギョン・ミリの助手を経て独立した。アメリカの有名雑誌と仕事をし、彼女の報道写真、アーティストや作家のポートレートは『ライフ』『フォーチュン』『スポーツ・イラストレイテッド』『ニューヨーク・タイムズ』『ヴォーグ』などに掲載された。ピエール・アレチンスキー、バルテュス、ピエール・ブーレーズ、マルク・シャガール、ミシェル・フーコー、ミシェル・レイリス、サム・サフラン、ポール・ストランドなど、友人となった人物は数多い。1966年、30歳年上のアンリ・カルティエ＝ブレッソンと出会う。「マルティーヌ」と声をかけた彼は「密着焼きを持って来て見せて欲しい」という殺し文句を囁いたという。そしてふたりは1970年に結婚した。「父からは大きなリスクを冒していると言われたけど、私はとても幸せだった。アンリはいつも私に働くことを勧めてくれた。彼は決して私を脇に置くことはなかった。彼のお陰で、私は多くの人々に出会いました」という。

The beach at Puri, Orissa, India, 1980

1980年、フランクはマグナム・フォトの共同エージェンシーに準会員として参加し、1983年に正会員となった。マグナム・フォトに受け入れられた数少ない女性の一人である。その後、女性の権利に関する大規模な作品に着手、社会的関心の高い題材に関心を示し、現実の証拠を提供しようとした。「私の主な望みは、内省を生み出すイメージを提示することです」と。彼女は "Le Temps de Vieillir"（老いの時間）を出版、その中で「苦しみや人間の腐敗に心を痛め、立ち止まらなければならない時がある。苦しみや人間の腐敗に心を打たれ、立ち止まらざるを得ない時がある。社会学的に興味深い他の状況は、視覚的には何も語らない。写真は説明するよりも見せるもので、物事の理由を説明するものではない」と書いている。

Graveyard for Stolen Cars, Darndale, Ireland, 1993

1985年、人道的プロジェクトを支援する数多くの写真撮影を監督し、孤独、貧困、排斥、重病に苦しむ人々を支援する "Petits frères des Pauvres"「貧しい人々の会」に協力する。1993年から1997年にかけて、フランクは何度もアイルランド北西部のトーリー島を訪れた。そこで彼女は大陸の端に住む伝統的なゲール人コミュニティの日常生活を撮影した。"Tory, Ile aux confins de l'Europe"（ヨーロッパの端に浮かぶ島トーリー）は1998年に出版された。1996年、ネパールのボドナートと北インドに住むチベット僧の子どもたちを撮影、その4年後に "Tibetan Tulkus: Images of Continuity"（チベットの化身ラマ：連続性のイメージ）を出版した。アンリ・カルティエ＝ブレッソンとその娘メラニーとともに、パリにアンリ・カルティエ＝ブレッソン財団を設立し、2004年に理事長に就任。2010年に東京のシャネル・ネクサス・ホールで「女たち」展を開催した。

Martine Franck and Henri Cartier Bresson, 1971. Photo by Josek Koudelka

2011年10月、パリのヨーロッパ写真館で開催された「他所から」展では、1965年から2010年の間にパリのアトリエで撮影された62人のアーティストのポートレートが展示された。フランス国家功労勲章オフィシエに叙勲され、アンリ・カルティエ＝ブレッソン財団での活動に対して贈られるモンブラン文化賞を受賞した。2012年6月、ニューヨークのハワード・グリーンバーグ・ギャラリーで "Peregrinations"（遍歴）展が開催された。マルティーヌ・フランクは2012年8月16日、偉大なアーティストの足跡を残してこの世を去った。74歳だった。彼女の芸術は幾何学、曲線、直線に象徴される個人的なタッチの反映であり、人間の魂の美しさ、心の奥深さを追求し、そのすべてを一瞬のうちにとらえたものである。この芸術的表現により、彼女は非常に繊細な目を持つアーティストとなったのである。

  Martine Franck (1938-2012) | Profile | Selected Works | Most Recent | Magnum Photos

多様な芸術の影響を受け写真家の視点を形作ったアンドレアス・ファイニンガー

Typical crowded urban scene in Midtown Manhattan, 1948

Andreas Feininger

アンドレアス・ファイニンガーは、アメリカの写真家であり写真技術に関する作家でもあった。ダイナミックなマンハッタンのモノクロ風景や自然物の構造の研究で知られている。ドイツ系ユダヤ人のユリア・ベルクと、アメリカ人画家で美術教育者のリオネル・ファインニンガー（1871-1956）の長男として1906年12月27日、フランスのパリで生まれた。父方の祖父母はドイツ人ヴァイオリニストのカール・ファインニンガー（1844～1922）とアメリカ人歌手のエリザベス・ファイニンガー（旧姓ルッツ）。弟は画家で写真家のT・ラックス・ファイニンガー（1910-2011）である。非常に創造的な環境で育ったファイニンガーは、幼い頃から芸術とデザインの世界に触れ、20世紀で最も影響力のある写真家のひとりになった。父親の芸術活動のため、家族はヨーロッパ各地を転々とし、彼は多様な文化や芸術の影響にさらされ、それが写真家としての彼の視点を形作ることになった。ファイニンガーの学問の旅は、ドイツの名門校バウハウスで建築を学んだことから始まった。そこで彼は機能主義と芸術とテクノロジーの融合を重視する学校の影響を受ける。建築学のバックグラウンドは、彼の写真作品、特に都市の風景や建築物に対するアプローチに大きな影響を与えた。

Production of Airplane propellers, Hartford, Connecticut, 1942

ファイニンガーの興味は写真へと移り、1933 年に移住したストックホルムで写真家として最初の仕事を始めた。スウェーデンではフォトジャーナリストとして働き、さまざまな写真技術を試しながら技術を磨き、独自のスタイルを築き上げた。この時期の彼の写真は、建築物と光と影の相互作用に焦点を当て、都市生活の本質を捉えている。ドイツにおけるナチズムの台頭により、ファイニンガーは1939年に米国に移住した。ニューヨーク市に定住し、彼にとって最も影響力のある時期が始まった。1943年、彼は LIFE 誌のスタッフに加わり、20年間勤務した。LIFE 誌では、ファイニンガーはダイナミックな都市景観、建築写真、科学および自然研究で知られるようになった。

Time Exposure, The Hurricane, Coney Island, 1949

この雑誌に掲載された作品によって、彼のユニークなビジョンは幅広い読者に知られるようになり、写真の構図と技術の達人としての評判も確立した。彼の写真スタイルは、構造、形状、光のニュアンスに細心の注意を払っているのが特長である。彼の建築学の教育は、都市環境の形状や質感を探求することが多い彼の写真に表れている。キュメンタリーと芸術を融合させ、日常の光景を印象的な構図に変える独特の才能を持っていた。彼の作品には、都市景観の活気と壮大さを捉えたニューヨークの象徴的な写真が含まれている。科学技術に興味を持っていたため、写真顕微鏡法の分野でも先駆的な作品を生み出し、写真という媒体の可能性を広げたのである。

Seaweed Harvesters, Portugal, 1951

その作品は世界中の主要な美術館やギャラリーで展示されている。彼は写真に関する本を数冊執筆しており、それらはこの分野に影響を与えている。"The World Through My Eyes"（私の目に映った世界）などの出版物は、彼の創作プロセスや、芸術形式としての写真に対する哲学についての洞察を提示している。ファイニンガーの影響は写真作品だけにとどまらない。彼は写真に関する尊敬される教師であり作家でもあり、将来の写真家の教育と育成に貢献した。彼の著作や講義では、明白なことを超えて見るということ、そして写真を探求と表現のツールとして理解することの重要性が強調されていた。晩年も写真撮影と執筆を続け、写真界で活躍し続けた。

Skeleton of a 4-foot-long Gaboon Viper, 1952

20世紀で最も影響力のある写真家のひとりとして遺産を残し、1999年2月18日に亡くなった。ファイニンガーのキャリアは60年以上にわたり、その間に多様で影響力のある一連の作品を制作した。建築写真や都市写真への彼の貢献、そして顕微鏡写真の実験的な仕事は、写真の分野に消えることのない足跡を残したのである。彼の作品は写真家たちにインスピレーションを与え続け、私たちを取り巻く世界の美しさと複雑さを捉える写真の力の証しとなっている。現在、ファインニンガーの写真は、ニューヨーク近代美術館、メトロポリタン美術館、ナショナル・ギャラリー、ロンドンのヴィクトリア＆アルバート美術館、ニューヨーク州ロチェスターのジョージ・イーストマン・ハウスのパーマネント・コレクションなどに収蔵されている。

  Andreas Feininger (1906-1999) American | Archived Art Works | The Library of Congress